La tectónica en el arte

Geometricae (Geometric Abstract Art Magazine) Febrero 2025
Por Edna Bozyski

Los primeros años del siglo XX fueron testigos de una transformación radical en las artes visuales, donde las preocupaciones sobre la forma, el espacio y la estructura adquirieron nuevas dimensiones. Un grupo de artistas, surgidos de varios movimientos de vanguardia, comenzaron a explorar la relación entre las formas geométricas, la arquitectura y el espacio de maneras innovadoras. Aunque estos artistas eran diversos en sus enfoques, compartían una fascinación común por la estructura y la organización de las formas dentro de la planitud de la abstracción geométrica. Hoy, podríamos agruparlos bajo el término " tectónico ", un nombre que, si bien no era oficial en su época, encapsula su visión única del arte como una construcción visual, espacial y conceptual.
La noción de lo tectónico ha sido un tema recurrente en la teoría arquitectónica, particularmente en el siglo XX. Se refiere al potencial expresivo de la construcción, donde la articulación de materiales y elementos estructurales transmite un significado más allá de la mera función. Arquitectos como Gottfried Semper y Kenneth Frampton han explorado este concepto, enfatizando la dimensión poética de la construcción y su capacidad para manifestar valores culturales y artísticos. Este enfoque ha influido en numerosos arquitectos contemporáneos, que buscan integrar la lógica de la construcción con una calidad expresiva, casi escultórica, en sus proyectos.
A lo largo de la historia, algunos arquitectos han trascendido la mera representación técnica de sus proyectos, convirtiendo sus dibujos en expresiones artísticas por derecho propio. Figuras como Aldo Rossi , Zaha Hadid o Tadao Ando han utilizado el dibujo no solo como herramienta de diseño sino como medio para explorar la dimensión estética de su arquitectura.
Sus representaciones, a menudo imbuidas de una fuerte cualidad pictórica y expresiva, pueden vincularse a la noción de lo tectónico. Sin embargo, en estos casos, más que una exploración autónoma de la materialidad y la construcción, los dibujos funcionan como una extensión conceptual de sus proyectos arquitectónicos. Estas ilustraciones, que podrían considerarse una especie de “renderizado manual”, combinan la plasticidad del trazo con una composición que les otorga una identidad artística propia, sin perder su propósito esencial: comunicar la idea arquitectónica. Por tanto, más que encuadrarse estrictamente en el marco tectónico, estas obras pueden entenderse como manifestaciones arquitectónicas con una clara vocación artística y pictórica, asimilables a la tradición tectónica pero siempre ligadas al proceso de diseño. Esta intersección entre tectónica y representación revela la compleja relación entre construcción e intención artística en arquitectura. Mientras algunos arquitectos insisten en una estricta lógica material y estructural, otros ven en el dibujo una manera de trascender las limitaciones físicas y explorar nuevas posibilidades espaciales y conceptuales. En ambos casos, el acto de dibujar —ya sea como herramienta analítica o como expresión artística autónoma— juega un papel crucial en la conformación del pensamiento y la práctica arquitectónica.
Esta diferencia se hace aún más clara al comparar el trabajo de los artistas tectónicos con el de los que trabajaban con la abstracción geométrica plana. Los artistas de la abstracción geométrica plana, influidos por movimientos como el Constructivismo o De Stijl , crearon composiciones geométricas puras en un plano bidimensional. La diferencia fundamental con los artistas tectónicos radica en cómo estos últimos trascendieron las limitaciones del plano para explorar la geometría en términos tridimensionales. Mientras que los artistas de la abstracción geométrica plana se confinaban a la superficie del lienzo, los artistas tectónicos extendieron la geometría hacia la creación de estructuras que evocaban la arquitectura y la construcción, sugiriendo una vocación espacial más amplia.
Artistas como Piet Mondrian , Ilya Chashnik , Vasily Ermilov , Kurt Schwitters , Lajos D'Ebneth , Marcelle Cahn , Willi Baumeister y Lyubov Popova , representantes de la abstracción geométrica plana, operaron principalmente sobre una superficie bidimensional. Sus obras se centraron en la disposición de formas geométricas en el lienzo, con un interés principal en las relaciones formales entre figuras y colores. En estas composiciones, las formas eran estáticas, sin una preocupación particular por el volumen o la profundidad. La búsqueda de la pureza visual en estas obras no implicaba ninguna referencia a la tridimensionalidad o la arquitectura, sino que se concentraba en el ordenamiento visual de las formas dentro de un espacio plano.
Por el contrario, los artistas tectónicos como Kazimir Malevich , Ivo Pannaggi , Theo van Doesburg o Sándor Bortnyik incorporaron un enfoque más complejo que involucraba la tridimensionalidad. En lugar de trabajar únicamente en el plano, estos artistas exploraron la creación de estructuras que sugerían volumen y profundidad. La arquitectura desempeñó un papel crucial en su obra, ya que no solo se centraron en la forma geométrica, sino también en cómo estas formas podían integrarse en el espacio físico real. Sus obras funcionaron como modelos para construcciones hipotéticas o abstractas, desafiando la noción tradicional de la pintura como un medio bidimensional.
Mientras que los artistas geométricos planos creaban una experiencia visual dentro de un único plano, los tectónicos buscaban generar una experiencia espacial con mayor profundidad. La arquitectura y la estructura fueron claves en su planteamiento, pues adoptaron una visión de las obras de arte como construcciones que no se limitaban a la superficie del lienzo sino que podían extenderse al espacio tridimensional. La relación con la fisicalidad también marcó una diferencia importante: mientras que los artistas de abstracción geométrica plana tendían a utilizar técnicas tradicionales de pintura sobre superficies planas, algunos tectónicos desarrollaban obras que implicaban escultura o instalación, tratando la obra de arte como algo con presencia física en el espacio . Malevich , por ejemplo, con sus “Architectons”, construyó modelos tridimensionales que no solo estaban destinados a ser vistos sino también experimentados en su contexto espacial, casi como si fueran elementos arquitectónicos reales, aunque abstractos.
Theo van Doesburg , aunque inicialmente cercano a Mondrian, fue, junto con Malevich, una figura clave en el desarrollo de la tectónica en la abstracción geométrica. Sin embargo, su enfoque fue ligeramente diferente. Van Doesburg no solo usó líneas y colores para crear composiciones equilibradas, sino que también introdujo el uso del espacio y el dinamismo en sus obras. Abogó por la idea de que el arte no solo debe reflejar la espiritualidad y el orden universal, sino también involucrar una percepción del espacio que trascienda lo bidimensional.
En Italia, Ivo Pannaggi fue uno de los artistas más representativos de esta búsqueda. Influenciado por el futurismo , Pannaggi usó geometría y líneas dinámicas para representar el movimiento, pero lo hizo de una manera que no solo era visualmente atractiva sino que también sugería una estructura profunda y organizada en la composición de sus obras. Sus pinturas no solo representaban la velocidad o la acción, típicas del futurismo, sino también el espacio meticulosamente organizado, acercándolos a la noción de una construcción estructural.
David Yakerson , en un estilo similar, utilizó la abstracción geométrica como medio para representar entornos industriales y urbanos. Sus obras eran una reflexión sobre la modernidad y la máquina, pero también estaban imbuidas de un fuerte sentido de estructura y espacio, creando una sensación de solidez y organización. La forma en que las piezas de Yakerson interactúan en el plano bidimensional refleja la misma precisión que un arquitecto podría aplicar al diseño de una estructura.
En esta línea de artistas que veían el arte como una forma de explorar las relaciones estructurales, pero con una inclinación más constructivista, también se enmarcan Sándor Bortnyik (véase la obra representada en la imagen de portada del artículo) y Enrico Prampolini. Prampolini, por ejemplo, buscó fusionar el arte con la arquitectura, llevando la abstracción hacia formas que, si bien no representaban literalmente edificios, sugerían la misma precisión y solidez que caracteriza a una estructura arquitectónica. Precisionistas como Charles Sheeler , por otro lado, tomaron el paisaje metropolitano e industrial estadounidense como campo de estudio y lo descompusieron en formas geométricas, reflejando una fascinación por la construcción y la organización del espacio urbano.
Giorgio de Chirico , aunque más asociado con el surrealismo, también puede considerarse parte de este grupo de artistas tectónicos. Su serie de “paseos metafísicos” está llena de arcos, columnas y perspectivas inestables que desafían las convenciones de la representación espacial. De Chirico no solo utilizó la arquitectura como elemento compositivo sino también como una forma de cuestionar la percepción del tiempo y el espacio, reforzando su conexión con los principios tectónicos.
Aldo Galli y Louis Lozowick continuaron explorando las posibilidades de la geometría dentro de la estructura. Ambos adoptaron el lenguaje de la abstracción para resaltar la importancia del espacio y la disposición de las formas. La precisión con la que organizan los elementos en sus obras subraya la idea de una obra de arte no solo como una expresión visual sino como una construcción, algo que emerge de un proceso de ensamblaje y organización, similar a la creación de un edificio o infraestructura.
Roberto Aizenberg , con sus torres solitarias y construcciones poliédricas, crea composiciones que evocan tanto la geometría como la fragilidad de la arquitectura. Su trabajo no solo refleja una admiración por la arquitectura renacentista, sino que también revela una inquietud tectónica en la construcción de un espacio que parece estructurado pero permanece abierto a la interpretación. Las formas de Aizenberg, aunque fragmentadas, sugieren una estructura subyacente que da significado a su organización, al igual que los artistas tectónicos que se centran en el orden interno y la estructura por encima de la forma visual inmediata.
Ben Willikens , conocido por sus representaciones de espacios arquitectónicos vacíos y deshabitados, también puede ser considerado un artista tectónico . Sus obras, cargadas de geometría y desolación, plantean una reflexión sobre el espacio arquitectónico y su relación con la percepción humana. A través de la representación de interiores vacíos y estructuras geométricas deshabitadas, Willikens construye un espacio estructural donde el vacío y la forma están intrínsecamente vinculados. Al igual que los artistas tectónicos, su obra sugiere que incluso en ausencia de vida, el espacio sigue siendo una construcción con una lógica y una organización subyacentes.
Enric Mestre , con su propuesta escultórica y cerámica, fusiona formas geométricas con una estructura arquitectónica que evoca nociones tectónicas . A través de la creación de piezas que parecen parte de una construcción inacabada o fragmentada, Mestre emplea la escultura como medio para explorar la relación entre el espacio y la materialidad. Al igual que otros artistas tectónicos , su obra es un diálogo constante entre lo abstracto y lo arquitectónico, mostrando cómo las formas no son meros elementos estéticos sino partes de un todo estructural que busca integrar el espacio físico con su organización interna.
Como hemos visto, colectivamente, estos artistas comparten una visión del arte en la que el objeto no es sólo una representación, sino una construcción consciente y reflexiva, con una relación directa con el espacio, la estructura y la organización. A través de sus obras, exploran cómo los elementos visuales pueden ensamblarse y organizarse para crear una experiencia coherente, casi como si estuviéramos ante una arquitectura visual en lugar de una pintura o una escultura. Así, estos artistas desarrollaron lo que hemos definido como la “ idea tectónica ” en el arte: una propuesta que considera la obra de arte como una estructura que debe entenderse en términos de su composición, organización y la relación de las partes que la constituyen.
Esta aproximación arquitectónica y estructural al arte, que hemos definido como tectónica , ha permanecido presente en las artes visuales a lo largo del tiempo, pero ha evolucionado a través de transformaciones conceptuales y artísticas. Hoy, una nueva generación de artistas continúa explorando y reinterpretando esta idea de la obra de arte como una construcción en sí misma, no necesariamente siguiendo los mismos métodos que sus predecesores, sino construyendo sobre la noción fundacional y transformándola. A estos artistas contemporáneos podríamos llamarlos neotectónicos.
Las obras de estos artistas se adentran en la metafísica del arte, explorando la esencia misma de la existencia y la realidad a través de la representación simbólica de formas evocadoras. Sus composiciones tridimensionales evocan una sensación de misterio y enigma, desafiando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del ser y su relación con el entorno. Esta nueva tectónica fusiona la visión revolucionaria de Malevich con la riqueza conceptual de la metafísica de De Chirico, creando un puente entre diferentes corrientes artísticas y filosóficas.
Es relevante destacar que los artistas tectónicos , operando en una época en la que la arquitectura moderna comenzaba a tomar forma, no tenían los referentes de la arquitectura contemporánea que los neotectónicos, un siglo después, casi darían por sentados. Los neotectónicos tienen como referentes toda una tradición arquitectónica moderna, con casi cien años de evolución en cuanto a estilos y concepciones, incluyendo la arquitectura deconstructivista y brutalista, que marcaría un punto de partida en su reflexión.
Illán Argüello es un buen ejemplo de cómo la neotectónica toma la arquitectura como punto de partida pero se aleja de la representación estrictamente funcional. En su obra, las formas geométricas y los elementos arquitectónicos aparecen fragmentados, casi como restos de una ciudad o una estructura que alguna vez existió pero que ahora se está desmoronando o está incompleta. Argüello no concibe la arquitectura simplemente como un contenedor funcional sino como un generador de emociones. La textura de sus obras, la densidad de sus formas y la relación entre vacíos y partes llenas crean una atmósfera de incertidumbre, invitando al espectador a reconsiderar el significado de lo “estructural”. Su arte no es un simple homenaje a la arquitectura sino un ejercicio de reflexión sobre cómo las estructuras físicas pueden albergar y transmitir sensaciones. Este enfoque muestra cómo la neotectónica no es solo una cuestión de forma sino también de contexto y de la capacidad de la estructura para comunicar un sentido más profundo de lo que está “a la vista”.
De la misma manera, el español Rafa de Corral presenta un conjunto de trabajos que podrían considerarse un diálogo entre la estructura geométrica y la atmósfera. Sus pinturas y esculturas parecen contener el orden, la perfección y la rigidez que definen las construcciones arquitectónicas, pero también sugieren una fragilidad inherente. La interacción entre formas parece cuestionar la estabilidad, estableciendo una relación entre lo fijo y lo dinámico. Como la tectónica de la primera mitad del siglo XX, De Corral utiliza el espacio como un material más con el que trabajar, pero con un interés por las grietas y los vacíos, por las partes desestructuradas que permiten entender la forma en toda su complejidad. En definitiva, lo que destaca en su obra es la forma en que las líneas y los planos geométricos nunca están del todo cerrados sino que se resisten a la lógica estructural estricta, creando una reflexión sobre lo que se entiende por “completo” en arquitectura.
El artista canadiense David Umemoto fusiona escultura y arquitectura, explorando la interacción entre forma, espacio y estructura. Sus esculturas de hormigón presentan composiciones geométricas que evocan la solidez y permanencia de las construcciones arquitectónicas. Estas piezas, aunque de pequeña escala, sugieren la presencia de estructuras monumentales, invitando al espectador a reflexionar sobre la relación entre arte y arquitectura. La conexión de su obra con la idea tectónica es evidente en su enfoque en la materialidad y la estructura. Umemoto utiliza materiales como el hormigón para crear obras que no solo son visualmente impactantes, sino que también transmiten una sensación de solidez y permanencia. Sus esculturas, con sus formas geométricas y estructuras modulares, evocan la estética del brutalismo y la arquitectura moderna, resaltando la belleza intrínseca de los materiales y la honestidad estructural. Además, su obra refleja una exploración de la intersección entre arte y arquitectura, desafiando las convenciones y proponiendo nuevas formas de interacción entre el espacio y la forma. Este enfoque resuena con los principios del movimiento tectónico, que busca una integración armoniosa entre estructura y estética, celebrando la materialidad y la construcción como elementos fundamentales de la expresión artística.
La pintura de la artista española María Luisa de Mendoza aborda la ciudad desde una perspectiva abstracta y emocional. Su obra se caracteriza por la representación de espacios urbanos desolados y monumentales, donde la arquitectura, aunque presente, se desvincula de la funcionalidad para convertirse en un escenario poético y metafísico. Mendoza busca transmitir una sensación de calma y reflexión a través de sus composiciones, eliminando detalles mundanos para centrarse en la esencia del espacio. El elemento tectónico en su obra se manifiesta en la forma en que utiliza la arquitectura como punto de partida para explorar las tensiones entre la luz, el vacío y la estructura. En sus obras, las formas arquitectónicas parecen despojadas de su funcionalidad, como si fueran parte de un rompecabezas más grande. La interacción entre las superficies lisas y la luz genera una atmósfera que invita a la introspección, y la monumentalidad de sus edificios recuerda a la arquitectura más abstracta, como en el caso de los arquitectos modernos que enfatizaban la forma sobre la función. De Mendoza no solo emplea la geometría y la estructura, sino que las utiliza como medios para transmitir emociones y preocupaciones sobre el espacio. La ciudad se convierte en un lugar inmaterial, un reflejo del alma, que lleva al espectador a un viaje interior que es a la vez físico y metafísico. En este sentido, su obra resuena profundamente con la tradición tectónica , ya que percibe la arquitectura como una forma sensorial más que una construcción utilitaria.
El artista británico Dan Broughton se inspira en la arquitectura brutalista, fusionando formas geométricas y estructuras atrevidas con la estética de la pintura abstracta contemporánea. Sus composiciones exploran la interacción entre la luz, la sombra y la forma, evocando la solidez y la permanencia de las construcciones arquitectónicas. Broughton utiliza la pintura para representar la arquitectura de una manera que resalta la belleza intrínseca de los materiales y la honestidad estructural. Sus obras, con sus formas geométricas y estructuras modulares, evocan la estética del brutalismo y la arquitectura moderna, enfatizando la interacción entre la forma y el espacio. Además, su trabajo refleja una exploración de la intersección entre el arte y la arquitectura, desafiando las convenciones y proponiendo nuevas formas de interacción entre el espacio y la forma.
Por otro lado, el artista español Juan Ortí lleva la cerámica a un territorio completamente diferente. Su planteamiento, estrictamente artesanal, se aleja de los acabados industriales y se sumerge en la pureza del material, que, sin embargo, forma parte de un todo, casi como si fuera una pieza estructural dentro de una construcción mayor. Las formas que crea Ortí son a menudo geométricas y sutilmente monumentales, pero su apariencia primitiva y natural juega con la percepción de lo que está “vivo” en la arquitectura. Las cerámicas de Ortí parecen transmitir la sensación de una estructura que está a punto de emerger, manteniendo su forma pero también agrietándose, sugiriendo que lo arquitectónico no es algo inmutable sino un proceso continuo. La forma en que maneja el espacio y la forma en sus piezas cerámicas ofrece una reinterpretación de lo tectónico: no es solo la estructura lo que importa sino la mutabilidad de la forma dentro de un contexto arquitectónico que siempre está evolucionando.
El artista italiano Gianfranco Spada , conocido por su enfoque 'neopurista', inspirado en el purismo de figuras como Ozenfant y Le Corbusier , crea obras marcadas por la simplicidad geométrica, donde las formas se reducen a lo esencial para revelar su estructura más pura y fundamental. Spada utiliza el espacio y la forma de manera que la arquitectura y el arte se fusionan en una única propuesta visual. A través de composiciones minimalistas, busca generar una sensación de orden, equilibrio y armonía, que resuena con el ethos del movimiento tectónico. La conexión con lo tectónico en la obra de Spada radica en su preocupación por la relación entre la forma y el espacio. Al igual que los artistas tectónicos de principios del siglo XX, Spada crea composiciones que funcionan casi como construcciones arquitectónicas pero utilizando la pintura como medio. La arquitectura es para él un punto de partida, no solo como un espacio habitable sino como un espacio conceptual que se puede representar a través de formas puras y esenciales. En este sentido, su obra se aleja de la ornamentación y busca una eficiencia visual que recuerda la noción tectónica de que la forma no sólo tiene una función estructural sino también una sensibilidad estética intrínseca.
Por otro lado, la artista estadounidense Monica Dixon manipula la luz, la sombra y el espacio en sus obras, donde explora una atmósfera de soledad y fuerza. Sus paisajes, tanto interiores como exteriores, están marcados por el contraste de luz y sombra que estructura el espacio visual. El uso de una paleta limitada de blanco, negro y rojo refuerza la intensidad emocional de las composiciones, llevando al espectador a una reflexión introspectiva sobre la relación entre el espacio físico y emocional. Lo tectónico en la obra de Dixon emerge en su capacidad de transformar el espacio pictórico en una construcción formal que invita a la reflexión sobre las relaciones espaciales, pero de una manera sutil. Aunque su estilo no es arquitectónicamente preciso, el espacio en sus obras parece tener una estructura interna que recuerda los procesos de diseño arquitectónico. La manipulación de la luz y la sombra crea una sensación de volumen, sugiriendo un espacio construido donde los elementos de la obra se perciben como partes de un todo. Esto se alinea con la idea tectónica de que las obras de arte no son solo composiciones visuales sino también estructuras complejas que aluden a un orden subyacente, incluso cuando parecen fragmentadas o caóticas.
La artista holandesa Cécile van Hanja centra su trabajo en la representación de espacios arquitectónicos, en particular interiores y estructuras modernas. Su planteamiento artístico destaca por la creación de laberintos multicolores que generan una ilusión de profundidad y complejidad, invitando al espectador a explorar la interacción entre el pensamiento racional y el intuitivo. La conexión de su obra con lo tectónico es evidente en su capacidad para enfatizar el aspecto inmaterial de los edificios, creando espacios abiertos que invitan a la reflexión sobre la estructura y la forma. Van Hanja explora la interacción entre la forma y el espacio, utilizando la pintura para representar la arquitectura de una manera que resalta la estructura y la materialidad de los espacios representados. Además, su obra refleja una búsqueda de orden en un mundo globalizado saturado de cultura de masas, respondiendo a la intrusión de la estética idealizada y las impresiones cotidianas. A través de la creación de arte único y hecho a mano, busca abrir espacios para la expresión individual.
Todos estos artistas neotectónicos , aunque diversos en sus planteamientos y técnicas, comparten una visión común de la obra de arte como una construcción compleja, una estructura que va más allá de lo visual y se adentra en los ámbitos emocional, conceptual y material. Estos artistas, como los tectónicos de principios del siglo XX, exploran las relaciones entre formas, espacio y estructura, pero lo hacen desde una perspectiva contemporánea que tiene en cuenta tanto la historia de la arquitectura como las transformaciones sociales, culturales y tecnológicas del presente.